MoMAでジョージア・オキーフはハーフである - 上海オークグローブ株式会社

この展覧会は、アーティストの一連のドローイングに焦点を当てることで、オキーフの官能的な連想の重荷を取り除くために多大な努力を払っています。

96歳のジョージア・オキーフは、若い仲間フアン・ハミルトンのサポートを受けて、1983年にメトロポリタン美術館で開催されたアルフレッド・スティーグリッツの回顧展のためにニューヨークにやって来た。ハミルトンのキュレーションを監督したオキーフは、亡くなった夫の有名な自分自身のポートレート、または彼女とそれらのイメージが共同構築した自己のポートレートを掲載することも許可した。その数年前、ジャネット・マルコムはニューヨーカー誌で「とても強い」と書いた。それは、写真がスティーグリッツの作品ではなく彼女の作品に属しているように見えるという、オキーフの写真に似たものとの同一視である。」オキーフが街にいる間、彼女とハミルトンはインタビュー誌のためにアンディ・ウォーホルと対談した。ウォーホルは彼女にAT&Tの新しいビルを訪れるよう勧めたが、マディソン街550番地の建築家は「実際には才能がなかった」ため、彼女は断った。

ハミルトン: フィリップ・ジョンソンを批判すべきではありません。彼はあなたが世界で最も美しい女性だと言いました。オキーフ: そうですね、私は彼が作ったものが世界で最も美しい女性だとは思いませんでした。

ウォーホルはとにかく見ると主張するが、彼女は動じない。結局のところ、見るには時間がかかるのだ。

さて、その最後の部分は誤りです - インタビューでは、視覚の持続時間についてのオキーフのセリフを 40 年遅らせていますが、ウォーホルは主題を変えているだけです - しかし、このフレーズが MoMA の現在のショーのタイトルとして使用されているのと同じくらい真実に聞こえます。「ジョージア・オキーフ：見るには時間がかかる」は、紙ベースのシリーズを拡張するキャンバス上の油彩画を除いて、アーティストの反復的なパステル、木炭、水彩画の作品に焦点を当てています。タイトルは、1939 年の「オイルとパステル展」のカタログテキストに由来しており、彼女の「連続」作品が実際に見るための一時的な条件を作り出すという組織コンセプトを示唆しています。手順や実質、小さな違いを強調することで、この図形の繰り返しが何かを可視化します。

でも何？「私自身について」と題されたオリジナルのアーティストの声明の中で、オキーフは連続性ではなく、立ち止まってバラの香りを嗅ぐことを推奨した。 –そして、友達を持つのと同じように、会うには時間がかかります。もし私が見たとおりに花を描くことができたら、私は花が小さいように小さく描くから、誰も私が見ているものを見ることはないでしょう。」オキーフは、拡大することによって、そして彼女自身の注意を威厳をもって表現することによって、花を表現するのではなく、鑑賞者に彼女がそれを考察するのに費やした時間への参加を強要しようとしていた。彼女のビジョンの代わりに、ずさんなフロイト主義に対する新たな情熱を持った批評家たちは、カラスの女を見て、「まあ、私はあなたに私が見たものを見るのに時間を割かせたのに、あなたが私の花に本当に気づくのに時間を割いたとき、あなたはすべてを吊るしました」あなたは私の花に描かれた花と自分自身を関連付け、あたかもあなたがその花について考え、見ていることを私が考え、見ているかのように私の花について書いていますが、私はそうではありません。」

「To See Takes Time」は、彼女の受容について言及することも、彼女のより不気味な雄しべを含めることもせず、この重大な問題を回避しています。少なくとも私の推測では、ショーのキュレーターたちはアーティストから彼女の重大な荷物を降ろしたいと考えているのだろう。しかし、抽象性と官能性を大胆に調和させた、世紀末の新しい女性というスティーグリッツの誤ったイメージの代わりに、私たちは同様に架空の、特異なほど無邪気な少女に出会う。

学芸員の焦点を最も正当化する最も適切な理由は、1916 年に紙に描かれた 3 点の作品の中に、入り口に現れています。水彩画の黒い線。紙に水彩と鉛筆で描いた青い線 X。この奇妙なトリオは自分たちの違いに頑固で、木炭の黒と溜まった水彩の青には何の共通点もありません。しかし、それぞれは紙の底部に同じ太いベースライン (たとえば、抽象的なヨットの底部) を描いており、そこから同じ 2 つの枝が伸びています。右側は直立し、左側はジグザグです。彼らは素晴らしいです。

この生産的な時代に彼女にとって際立った作品に彼女が与えたタイトルである「スペシャル」（1915-1919）も同様です。私は、No. 20 – From Music – Special (1915) のひどく機械的なぼやけ具合と、その中の 19 曲を検討するよう促すその作品を賞賛します。ただし、これがシリーズのものである場合、それは最も大雑把な意味でのことです。

ポール・ストランドの抽象的な肖像画（1917 年） – ここでは水彩の夜空に向かって直立する赤尾毛虫 – は、オキーフの珍しく写実的な木炭によるボーフォード・デラニーの肖像画（1943 年）に捧げられた内壁の魅力的な仲間となっています。これらは共に、主題自体がその形を要求しているという芸術家の感覚の証拠を提供します。しかし、紙の連載作品に重点を置くと、すぐにイライラしてしまいます。学芸員たちは、年代順に礼儀正しく謙虚な態度で、オキーフが物体化された花や骨を描いたあの人気の画家ではなく、中途半端なミニマリストだったことを誰かに納得させようとしている。

この番組は一般視聴者のことをほとんど考えていないように見える。彼女の往復書簡のありきたりな断片をセクション見出しに変換したキュレーターたちは、たとえば、20世紀を特徴づけるアーティストの一人が「SOMETHING TO SAY」を持っていたことは、フェミニストの偉業であることを示唆している。水彩画について、私たちは「彼らはやって来た」ということ以外に何も学びません。私は個人的な恐怖に後ずさりし、誰かが私が「頭の中にいろいろなことがある」と書いた私信を見つけて、死後の私の作品を組み立てるためにこの漠然としたフレーズを使用することを想像しました。壁のテキストは、ジョージア・オキーフが、考えなければならないことがたくさんある勇敢な女の子であったことを感じさせます。そして、ありがたいことに、彼女がイメージを正しく理解するまで画像を見続けることができるように、大きな紙の束を持っていました。

フィリップ・フィッシャーは、『芸術の制作と消失: 美術館の文化におけるアメリカ現代美術』(1991) の中で、連続性は「画家が自分の職業生活を明確にし、取り囲む知的世界に直面すると、画家の有効な戦術になる」と主張しています。本格的な美術史であり、その中で彼は自分自身をエピソードとして見ることを余儀なくされている。」『私たちの美的カテゴリー: おかしな、かわいい、興味深い』 (2012) でフィッシャーの言葉を引用したシアンヌ・ガイにとって、その強制を行うのは批評家であり、より広範な「興味深い」アートと同様に、この連載は批評家に目的を提供します。プロセス、そして作品の個々の事例の外にある意味の軌跡には、巨大で強烈な花よりも大きな重要な装置が必要です。「To See Takes Time」は、大きくて精神的な芸術を、小さくて物質的なものに変換しようとします。幸いなことに、それは機能しません。

「ジョージア・オキーフ：見るには時間がかかる」は、米国ニューヨーク近代美術館で2023年8月12日まで展示されている。

Rainer Diana Hamilton は、『God Was Right』（2018 年）と『The Awful Truth』（2017 年）の著者です。

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