現代美術とその歴史

数十年前、アーティストたちは実験を開始し、無数の芸術的な冒険やスタイルに余地を与えました。 インスピレーションは、現代の生活様式と、芸術の役割、本質、進化の過程について開発された理論の両方から得られます。 現代美術は多くの人にとって謎であり、展示される作品は時折、何が芸術と言えるのか、見る人に疑問を抱かせるからです。 今日強く支配されているあらゆる人やあらゆるものに対する疑問により、アーティストは従来の色や素材の使用を拒否するようになり、その結果、彼らの作品は矛盾した反応を引き起こし、時には混乱したり称賛されたり、時にはそれに向けられているかどうかに関係なく大衆を怒らせたりしています。

60 年代の終わりに、コンセプチュアル アートは理論的および芸術的な文脈で開発されました。その名前が正確に示すように、コンセプトは芸術作品の基本的な要素です。 継続性は不要として扱われます。 これは、芸術作品そのものよりも、芸術作品のアイデアの概念が優先される傾向です。 コンセプチュアル アートを受け入れたアーティストたちは、ミニマリストのトレンドに影響を受けながらも、それに挑戦し、そこから逃げようとしました。 コンセプチュアル アートを通じて、表現と形式の両方としてアートを表現する伝統的な方法が本質的に挑戦される一方、言語はオブジェクトとしてその言語部分で支配的です。 その外観は、アメリカではソル・ルウィットが1967年に出版したマニフェスト『コンセプチュアル・アートに関するパラグラフ』に典型的に見られる。

ソル・ルウィットにとって、「アイデアは芸術を生み出す機械になります」。 コンセプチュアル アートの力学は、ソル ルウィットやその他の代表者の発言からもわかるように、非常に顕著でした。 したがって、芸術作品を捉えてデザインするという精神的なプロセスが、その具体的な視覚的な部分を置き換えます。 しかし、この視覚的な部分、つまり芸術作品は消えるわけではありません。 それは存在し続けます。 コンセプチュアル・アートは、芸術の表現である芸術作品の創造を取り除き、それを言語学に置き換えることを目的とするのではなく、芸術の限界を発見しようとします。 コンセプチュアル・アートは、アートは自問すべきであり、できれば物理的な形で現れるべきではないと主張したジョセフ・コスースなど、その代表的なさまざまな人々の作品に見られます。

アートでは、フレーズ、アイデア、または説明を含む膨大なリストが作成されます。 オブジェクトと書かれた情報の間の組み合わせは、最初は何の関係も示されていないように見えますが、アーティストプロジェクトの聴衆と対話するために、鑑賞者自身によって実行されることが期待されています。 ベン・ボーティエは、黒い背景に白い絵の具を使って引用文を彫刻します。 思考、印象、宣言を構成する彼の作品は、謎のベールに包まれているかもしれませんが、それでも解釈の余地があります。 一方、ローレンス・ウェイナーは、1970年にいくつかの展示の壁に自分のアイデアを書き始め、それを空間の定義や単純な動作と関連付けて、人々に実現を強制することなく、自分が書いたものを実現できる可能性があると見る人を困惑させました。

コンセプチュアル・アートの探求と影響は、それぞれの主題の内容を最前線に押し出すために、既成のものからテクニックとスタイルにおいて脱却する努力を続けるアーティストたちの反応を見つけるのを止めることはありませんでした。 この芸術的アプローチに参加することで、多くのクリエイターが社会問題に取り組み、私たちを取り巻く世界を変えることを楽しみにしてそれを推進することができました。

コンセプチュアル アートでは、クリエイターは自分の作品を放棄することもできます。 ルイスが亡くなったとき、彼のスケッチは他のアーティストによってさまざまな芸術作品に変わりました。 その結果、彼の死後も彼の仕事は中断されることなく継続されました。 したがって、コンセプチュアルアートでは著作権の問題は生じません。 ある作業の実装は、他の人によって実行されることが期待されます。 このため、著者の署名は必須ではありません。

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