ヒューストンからアテネまで、リック・ロウは社会彫刻を世界へ

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アーティストアンケート

ヒューストンの影響力のあるプロジェクト「ロウハウス」で知られるアーティストが、音楽、バスケットボール、芸術が生活を改善する能力について語ります。

アダム・ブラッドリー著

リック・ロウは、養子となった都市ヒューストンから9,000マイル以上離れたアテネに自宅を構えている。 ロウ氏は、2017年に「アテネから学ぶ」をテーマに第14回目を迎えたドイツの現代美術展「ドクメンタ」への参加に先立って、2015年に初めてギリシャを訪れた。 ロウさんは、地元コミュニティと主に中東やアフリカからやってくる亡命希望者との間の緊張を高める難民危機を直接学び、まさにそれを実行した。 国内で長年活動家として活動してきたロウ氏は、この一見手に負えない状況を海外での行動への呼びかけと捉えた。

ロウの考えでは、芸術は美的実践であると同時に社会的なものであり、特定の人々や場所との長期的な関わりを必要とします。 彼のドクメンタへの貢献は、ギリシャの芸術家マリア・パパディミトリウとのコラボレーションであるビクトリア・スクエア・プロジェクトであり、このプロジェクトは、大規模な交通量で知られる市内のビクトリア・スクエア・エリアの活性化を中心とした、異文化交流、政治的活動、芸術的創造の繁栄する共同拠点としての役割を果たしています。難民の。 8 年経った今も、彼はプロジェクトの管理者であり続けています。 VSP は、闘争と喜び、仕事と遊び、政治 (市長討論会の主催)、文化 (講演、パフォーマンス、展覧会の頻繁な開催) など、日常生活の中で展開されるアートです。 これは、ドイツの芸術家ヨーゼフ・ボイスによって1970年代に開発された、世界を再形成する際の芸術の共同体的および政治的機能を包含する実践を記述する広大な概念である社会彫刻へのロウの最近の進出に過ぎない。

61 歳のロウ氏は、1990 年代にコミュニティを基盤とした急進的な取り組み「プロジェクト ロウ ハウス」で初めて注目を集めました。 ヒューストンを拠点とするアーティストの集団と協力し、全米芸術基金とエリザベス・ファイアストーン・グラハム財団の支援を受けて、ロウはヒューストンの歴史的に黒人が多い第 3 区地区にある荒廃したショットガンハウスの 2 ブロックを購入し、それらをアートスペースとコミュニティセンター。 ロウ氏は 2018 年に日常業務から離れましたが、プロジェクト ロウ ハウスは依然として繁栄しています。 30 年目を迎え、現在は 5 つの街区にまたがる 39 の建造物で構成され、芸術教育プログラム、コミュニティを豊かにする取り組み、近隣開発の取り組みを促進しています。

彼の革新性にもかかわらず、ロウの芸術的訓練は伝統的なものでした。 1970 年代後半から 80 年代前半にかけて、ジョージア州コロンバスにあるコロンバス州立大学の美術学生として、ハドソン リバー派の手法で風景画を学びました。 「それは私にとって本当に決断ではありませんでした」と彼は言う。 「私は南部の白人が大多数を占める小さな大学に通っていて、非常に伝統的な芸術プログラムを学んでいたのです。」 ヒューストンに拠点を移し、画家のジョン・T・ビガーズと交流した後、ロウは自分の作品をより明確に政治的かつ比喩的なスタイルに移し、それによって「特定のコミュニティや社会内の特定の文脈や状況について、より直接的に語ることができる」と信じていた。 」 しかし、1990年、授業で彼のスタジオを訪れた高校生が彼に強力な現実的な質問を突き付けたとき、ロウのアプローチは疑問視された。その質問は、後にロウが2022年のホイットニー・ビエンナーレで発表した出世作品のタイトルとして記念されることになる。アーティストはクリエイティブなのに、なぜ解決策を生み出せないのか？」 この挑戦は、ロウをボイスの社会彫刻へと導き、ビガーズの影響と相まって、タルサからシカゴ、そして現在はアテネに至るまで、プロジェクト・ロウ・ハウスやその他の地域密着型の一連の作品を生み出すきっかけとなった。

社会彫刻は変革をもたらす可能性がありますが、具体的な記録を残すことはほとんどありません。 これに応えて、ロウはヒューストンのスタジオで、この一時的で短命な作品をアーカイブする手段として、近年絵画や素描に戻ってきました。 昨年9月、ロウはガゴシアンとともにニューヨーク初の個展「社会彫刻に関する瞑想」をデビューさせた。 それは、彼のコミュニティベースの実践、特にプロジェクト・ロウ・ハウスとビクトリア・スクエア・プロジェクトにインスピレーションを得た新しい作品を特集しました。 作品の多くには、ロウがヒューストンからアテネまで地元の人々と遊んだゲームの名残であるドミノタイルを想起させる紙のコラージュが含まれています。 「ドミノテーブルに集まった人たちを見つけたことは、私にとって大きな贈り物の 1 つです」とロウは言います。 特定のゲームの即興的な順序に基づいて構築された彼のキャンバスは、物理的空間だけでなく、社会関係や心理状態もマッピングします。 それらは複雑かつ多彩で、スケール、儚さと永続性、記憶と儚さを戯れています。 それらはコミュニティ、つまり崩壊と孤立の時代における社会的存在としての人間の自然な状態に戻った地図です。

この夏、アテネで 2 つの大規模な個展が開催されることになっているヒューストンを発つ数週間前に、ロウは電話で T に会いました。

あなたが初めて作った芸術作品は何ですか?

正直な真実を言いたいのか、それとももう少し洗練されたものを言いたいのかわかりません。

洗練を忘れてください。 今日から本格的に取り組んでいきます！

わかりました。 私はアラバマ州出身の大家族で、12人います。 アラバマ州の貧しい田舎。 美術の授業はありません。 そんなものはありません。 私の最初の絵は、12 歳かそこらのときに描いたと思います。それは、ジェット誌の折り込みの女性の絵でした。 私の兄弟たちはいつも私を笑います。 まだ誰かがどこかに持っていると思います。 つまり、私の頭がどこにあったかがわかります。 しかし、それは子供時代のことでした。 私が実際にアートを作り始めたのは大学に入学してからで、そこで初めて風景画を描きました。

あなたが初めて販売した作品は何ですか?

絵を描き始めたばかりの頃、私は自分の考え方に反商業的な傾向を持っていました。それは、それが私にとって非常に個人的な問題、つまり黒人問題や貧困問題などを扱った比喩的な作品だったからであり、それらがどのように絵画の枠内に収まるかについて葛藤していました。市場。 他人の不幸を語るようなものを誰かが所有するなんて、考えられませんでした。 そのため、画家としての最初の数年間の作品はまったく売れませんでした。 そして、私は社会的実践に入りましたが、そこでは販売される物はありませんでした。 しかし、[絵を描いたり絵を描いたりすることに]戻るにつれて、私はこれらのドミノの絵を描き始めました。 最初のものはここヒューストンの小さなギャラリーを通じて販売しました。

それはいつ頃でしょうか？

それが2015年か2016年でした。

最初の芸術作品を販売する前に、あなたは 50 代でした。 反資本主義者の20歳の頃のあなたは、あなたが今いる状況について何を批判し、何を称賛すると思いますか?

おそらく彼は頭をかいて「革命を売り込んでいるのだ！」と言うだろう。 しかし、適切な状況下では、彼は革命がさまざまな方法で進むことを理解するだろうと私は思います。 果たすべき役割はたくさんあります。 それが若い頃の自分には理解できなかったのです。 私は人々の生活条件を改善しようとする[活動の]実践的な要素に夢中になっていたため、詩学の価値を理解することを怠っていました。

その詩学をどこで見つけますか？

それはいつも私たちの周りにありました。 黒人が失敗したことがないことの一つは、どうすればかっこよく見えるかということです。 それはとても美的なことです。 それはとても詩的なことですね。 条件が何であれ、実際的な条件が何であれ、人々は依然としてその詩学を、自分たちがアクセスできる方法で、たとえば非常に基本的なレベルで、身体装飾において表現しています。

新しい作品を始めるとき、どこから始めますか?

ただ場所を選ぶだけです。 ジョン・ビガーズはかつて数学者のボブ・パウエルに幾何学の神聖な芸術を説明するように依頼しました。 パウエル氏は試みたが、その後手を上げた。 「アーティストの皆さん！ 描いてみましょう。」 そこで彼はこの 12 ページの [シーケンス] を描きました。 最初のページはただの空白です。 無限の可能性があります。 2 ページ目は大胆な発想です。 コンパスを置くだけです。 それができたら、そこから始まります。 私は自分の絵に対しても同じアプローチをとっています。 真っ白なキャンバスがあるとき、「これは宇宙だ」と思います。 それでは始めます。 私の小さなドミノチップ、想像上のドミノゲームなど、いくつかのピースを接着します。 そこから成長していきます。

このアプローチを考えると、作業が完了したことをどうやって知ることができるでしょうか?

それが大きな課題です。 しかし、それは直感的なものだと思います。 他にできることは何もないと感じるまで、何度も取り組みます。 絵画は芸術家にも語りかけます。 彼らは私たちに話しかけて、私たちがどこにいるのか、どこへ行くのかを教えてくれます。 そしてある時点で、彼らはあなたに「もう終わりです」と言うでしょう。

アートを制作するときはどんな音楽をかけますか？

70年代に南部で10代だった頃、白人にも黒人にもそれぞれの音楽があった。 彼らにはロックがあった。 私たちには魂があった。 とてもシンプルでした。 私たちの誰もそれ以外のことには対処しませんでした。 しかし、大学に進学して探究し始めたとき、自分の興味の範囲が広いことに気づきました。 クラシック音楽と出会いました。 ジャズに出会いました。 その後、物事が進化するにつれて、それはヒップホップ、パンク、ニューウェーブ、その他すべてのものになりました。 実験的に始めたばかりです。 魂を探求し、自分が何者であるかを深く掘り下げているとき、私は自分のルーツに戻ると言いたいと思います。 ゴスペルをかけてみます。 あるいはカーティス・メイフィールドやライオネル・リッチーもやります。 実はつい先日、ライオネル・リッチーとZoom通話をしたのですが、彼が私がいた場所から約30マイル離れたところで育ったことが分かりました。

最近の作品ではドミノが大きな役割を果たしています。 あなたをゲームに惹きつけるものは何ですか?

ドミノとのつながりが、私の活動主義への傾向を刺激しています。 私の活動家としてのやり方は、人々とつながり、コミュニティを組織することです。 声は誰ですか？ 彼らの懸念は何でしょうか? コミュニティ参加型アート、つまりソーシャルプラクティスアートと呼ばれる活動を始めたかなり早い段階で、コミュニティミーティングなどのグループ環境で人々と話すと、特定の種類の反応が得られることに気づきました。 人々は愚かだと思われたくないのです。 彼らは自分の言うことに注意しています。 しかし、みんながただリラックスしてトランプやドミノ、チェッカーをしている人と一緒に座っているとき、その人たちを本当に知ることができるのです。 そのため、[ゲームをプレイすること] が私のコミュニティと関わる仕事の重要な要素になりました。

それがヒューストンでいかに効果的であるかがわかります。 ギリシャでは何がうまくいきましたか？

ビクトリア スクエア プロジェクトに取り組み始めたとき、私はそのコミュニティとどのようにつながるかを考えていました。 それで私は近所を歩いて、ただ物事をチェックしていました。 そしてなんと、ある日、小さなテーブルの周りに人々が集まっているのが見えました。 見に行くと、彼らはドミノをしていました。 彼らは私たちがここヒューストンでプレーしているのとは少し違ったプレーをしていた。 しかし、ドミノに関して言えば、どの家にも独自のルールがあります。 それで、彼らのアプローチを理解できるまで、彼らのプレーを十分に観察しました。 彼らはギリシャ人ではなく、アルバニア人だったことが判明した。 「次の試合に出てもいいですか？」とうなずきました。 そして彼らは皆、「この男は誰ですか？何をしているのですか？」というような顔をしていました。 ゲームに夢中になりました。 確かに、いくつかの間違いも犯しました。 しかし、いつしか彼らはこの新しい人の演奏に魅了されていました。 これらのアルバニア人は、ビクトリア広場プロジェクトが開催される空間の守護者となりました。

あなたのアートはコミュニティ、つまり特定の人々や場所と関わっています。 同時に、あなたは明確に抽象絵画の方向に進んでいます。 この 2 つの衝動をどうやって二乗するのでしょうか?

私の進歩は、政治と世界がどのように機能するかについて、より拡大された、より成熟した理解に向かって進んでいます。 風景画の作り方を学んだ後、早い段階で私はそれを拒否しました。なぜなら、それは社会に対して直接話すことができないからです。 それで私は具象的な仕事に移りました。 私が比喩的な作品を制作していたとき、重要なことは、労働者階級の問題に焦点を絞って、労働者階級の人々に直接語りかけることでした。 私がその仕事をしているときに、この子供から挑戦を受けました。彼は基本的に、私の絵は彼らが毎日すでに見ているものを示していると言いました。 「あなたがアーティストで、創作するのが仕事なら、なぜ解決策を生み出せないのですか？」と彼は私に尋ねました。 それが私を別のフレームワークに導いたのです。 [Project Row Houses のような]社会彫刻作品を通じて、私は政治的作品のより広い文脈を本当に理解し始めたと思います。 Project Row Houses のような事業の主な受益者は、第 3 区コミュニティの人々です。 しかし、その取り組みを実現する上で同様に重要だったのは、コミュニティを超えた全国各地からの支援者でした。 それは、作品が複数のレベルでどのように機能するかについて重要な部分になりました。 そしてそれが実際に、私たちが毎日取り組んでいる都市問題や心理的問題を見つめ、それについて語る方法として、私が抽象化に移行するための舞台を整えたのです。

それは風景とは程遠いです。

私が風景画を学んでいた 80 年代初頭の私の絵画と現在の私の絵画とのつながりは、どちらも私に地球、つまり土地、私が育った南部の場所を見ることを可能にしているということです。 外に出て風景の写真を撮ったりしていました。 その時点まで、そこはまさに私が育った場所でした。 それはちょうどそこにありました。 しかし、写真を撮り、土地を見始めると、深い緑の松林と赤い粘土質の土壌に気づき始めました。 それらの[色合いと質感]は、私が描いていた絵の基礎となりましたが、同時に私に刻み込まれました。 「ここが私の出身地です。」 ですから、私が今取り組んでいる抽象的なマッピング作品について考えるとき、それらを風景として考えることがあります。 視点が真正面から鳥瞰図に移ったばかりで、それから政治的に見ることができるようになります。地図を通して見る風景がどのように私たちに情報を与え、私たちに考えるべきことを提供するかということです。 時々、こうした作業をしていると、あの緑のパレットと、あの錆びた色、そこの土を燃えさかる赤に惹かれることがあります。 ですから、今絵を描いていると、以前描いていた頃と深い親近感を覚えることがあります。

あなたは1日に何時間クリエイティブな仕事をしていると思いますか?

まあ、それは状況によります。 今もそうですが、私は1日14時間から16時間くらい働いています。

私をからかってるの？

それはとても嬉しいことなのですが。 とても嬉しいです。 アテネでのショーの準備をしている今この瞬間が、私にとっての NBA プレーオフのようなものだと感じています。 止まることはありません。 コービー（ブライアント）がかつて言ったように、「最後には休むんだ」。

あなたはバスケットボールのファンですか？ あなたのチームは誰ですか?

実際にはチームがありません。 選手がいるよ。 ここ10年ほどはスプラッシュ・ブラザーズ（ゴールデンステート・ウォリアーズのステフィン・カリーとクレイ・トンプソン）だった。 彼らのプレーを見るのはただ美しい。 そしてその前に、私の男コービーがいました。 コービーはいつも私にとってインスピレーションの源です。なぜなら、私たちは似たようなメンタリティを持っていると思うからです。 私はいつも人々にこう言います。「私は最も才能があるわけではないかもしれないし、あれやこれやが最も優れているわけでもないかもしれない。でも、あなたは私を超えるつもりはない。」 それがいつも私の生き方でした。 何かに取り組んでいるときはいつでも、私はそこにいます。

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